Powered By Blogger

lunes, 7 de noviembre de 2011

Los pintores mexicanos

Desde paisajistas, muralistas hasta surrealistas, la historia de la pintura en México ha contado con exponentes que lograron colocar su trabajo en las paredes de recintos culturales internacionales. Tal es el caso de Diego Rivera, quien plasmó su talento en los muros de la Escuela de Arte de San Francisco y en el Instituto de Artes de Detroit, ambos en Estados Unidos. 
De acuerdo a un listado de los mejores pintores mexicanos de todos los tiempos, publicado en la enciclopedia electrónica especializada en artes plásticas, Artcyclopedia.com, y a un recuento sobre este mismo tema expuesto en el sitio electrónico Explorandomexico.com, te presentamos a diez de los pintores más destacados que ha dado México en toda su historia.
José María Velasco. Nació en el Estado de México, en julio de 1840. Es considerado como uno de los más grandes paisajistas del siglo XIX. Falleció en agosto de 1912.
José Clemente Orozco. Distinguido muralista y litógrafo. Nació en Jalisco, en noviembre de 1883 y murió en la Ciudad de México, en septiembre de 1949. Entre sus obras más destacadas se encuentran los murales que plasmó en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Diego Rivera. Bautizado con el nombre completo de Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, fue originario de Guanajuato, donde nació en diciembre de 1886. Falleció en la Ciudad de México, en noviembre de 1957. Se destacó como pintor de murales.
David Alfaro Siqueiros. Nació en la capital de México en 1896. Se dedicó principalmente a las artes plásticas y a prestar sus servicios como militar. Es considerado uno de los tres exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y José Clemente Orozco. Murió en enero de 1974.
Rufino Tamayo. Este artista siempre estuvo en la búsqueda de nuevas técnicas. No se adhirió nunca a las corrientes dominantes, ni artísticas ni de carácter político. Nació en Oaxaca, en 1899, y falleció en junio de 1991, en la Ciudad de México.
Frida Kahlo. Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1913 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Su obra se caracteriza por la síntesis de elementos expresionistas y surrealistas con temática popular y autobiográfica. Nació y murió en la Ciudad de México (1907-1954).
 

Gunther Gerzso. De ascendencia húngaro-alemana, nació en México en 1915 y falleció en el año 2000. Se destacó como pintor, diseñador de escenarios, escritor y director de teatro y cine. Formó parte del movimiento artístico conocido como La Ruptura.
José Luis Cuevas. Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano, nació el 26 de febrero de 1934 en la Ciudad de México. Es una de las principales figuras de la "generación de la ruptura". También destacó coo representante del neofigurativismo.
José Guadalupe Posada. Comenzó a trabajar como maestro de litografía en la ciudad de Aguascalientes; posteriormente, se mudó al DF donde trabajó como ilustrador de periódicos. Su obra influyó en artistas posteriores como José Clemente Orozco, Diego Rivera, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez, entre otros.
Francisco Toledo. Originario de Oaxaca, donde nació en 1940, es considerado uno de los mejores artistas vivientes de México. Su arte y plástica refleja una gran apreciación por la estética de la naturaleza, particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza (murciélagos, iguanas, sapos, insectos).

Para ti, ¿cuál es el pintor más importante de México y por qué?
¿Te gusta alguna obra en particular?

Conceptos basicos¡¡¡

Dibujo artístico. CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO. Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres.
También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.

INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS. Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos.
Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite
Dibujo es la disciplina del trazado y delineado de cualquier tipo de figura, la cual puede ser abstracta o que represente algún objeto real; una forma de expresión gráfica. Se le llama Dibujo Artístico a aquel que no necesita de instrumentos de precisión para su elaboración, es decir, es trazado a mano alzada y su propósito fundamental es el de transmitir una idea o sentimiento surgida del mundo subjetivo del autor al observador.
Psicología del dibujo artístico
El dibujante artístico dibuja aquello que no puede expresar con palabras, por decirlo así: "teletransporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fué trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dbujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero cabe destacar que el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue dominarlo con práctica y dedicación.
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen a los dibujantes en dos grupos: aquellos que solamente copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben en la mente. Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.